Les amateurs d’intérieur et les créateurs en ont plein la bouche : le design de collection. Mais qu’est-ce que c’est exactement ? Pourquoi est-il si convoité ? Et qui décide de ce qui a une valeur de collection ?
« Céramiques étranges ». « Meubles expérimentaux inutilisables ». Collection d’adjectifs pour désigner des tables, des sièges ou des lampes disproportionnés. Tout ce qui n’est pas standard. Vieilles éditions de designers connus. Objets (ou approximations) signés de designers ou de marques que vous appréciez tellement que vous commencez à les collectionner. Tout ce qui est « hype ». Après une brève table ronde, les réponses sont claires : le design de collection est un terme fourre-tout.
Chacun y va de son interprétation. Mais une chose est sûre : il est branché, il fait bouger les choses, il intrigue. Des foires d’art réputées comme la TEFAF, qui se tiendra à Maastricht ce week-end, élargissent leur offre d’art classique en y intégrant le design de collection.
Des initiatives plus récentes comme Collectible, qui ouvre ses portes demain dans le bâtiment Vanderborght à Bruxelles, en tirent le meilleur parti. De même, des galeries de design voient le jour dans toute l’Europe, à la fois physiquement et numériquement. Mais le phénomène fonctionne aussi dans l’autre sens : « Chaque jour, je reçois quelques courriels dans lesquels des designers présentent une création », explique un galeriste qui préfère garder l’anonymat. « Je me dis alors que la chaise est cool et qu’elle pourrait très bien être publiée sur Instagram. Avec d’autres, vous remarquez que c’est juste rapidement fait en termes de design. Mais une pierre, une barre et une planche ne font pas une table basse de collection pour laquelle moi, ou ma clientèle, voulons payer des milliers d’euros. »
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12 et puis c’est tout
Mais alors, qu’est-ce qui fait d’une table basse un objet de collection ? La réponse la plus audacieuse est : « le genre d’objet qu’un musée pourrait acquérir pour faire partie de sa collection », répond Aric Chen lors d’une interview vidéo. Cet ex-journaliste sino-américain a été conservateur pendant de nombreuses années, notamment pour Design Miami/Bâle, après quoi il a fondé le Curators Lab à l’université Tongji de Shanghai.
Depuis 2021, il dirige le New Institute de Rotterdam en tant que directeur général et artistique, et il fait également partie du comité de sélection de la foire Collectible cette année. C’est donc un homme qui sait de quoi il parle. Et ainsi qu’il l’explique, « d’une part, il y a les pièces de collection historiques (historic collectible design, ndlr). Il s’agit de pièces qui ont marqué certains tournants dans l’histoire du design et qui ont résisté à l’épreuve du temps ». Les créations de Charles et Ray Eames, entre autres, entrent dans cette catégorie, mais aussi celles de Giò Ponti, Charlotte Perriand ou Jean Prouvé, explique M. Chen.
Comme il s’agit de pièces qui existent souvent en grandes éditions, la valeur de collection dans ce cas réside dans les premières éditions ou les éditions limitées, les modèles inédits et les prototypes. Si l’on considère le design contemporain de collection, il s’agit de pièces dont on pense, et dont on sait, qu’elles seront considérées comme des éléments marquants dans le futur. En outre, le design contemporain doit être unique ou n’être produit qu’en édition très limitée: pas plus de 12 exemplaires.
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Pourquoi 12 exactement ? C’est ce que le marché détermine. Comparez cela à la photographie d’art. En principe, vous pouvez imprimer une photographie de manière illimitée. Il en va de même pour la production d’une table basse. Mais en limitant le nombre d’exemplaires, vous créez de la rareté et donc de l’exclusivité.
Pièce d’exception et design de collection
Maria Wettergren, à l’origine de la galerie de design du même nom à Paris et membre du comité de sélection de la TEFAF, utilise également des critères similaires. Mais comment savoir aujourd’hui que la table basse en question sera reconnue à l’avenir comme un tournant dans l’histoire du design ?
« L’originalité », répond-elle sans hésiter. La pièce doit non seulement être rare, mais elle doit surtout changer quelque chose à la norme. Que ce soit au niveau de la forme ou de la recherche, des matériaux ou de la technique. Elle doit être inédite. Elle doit aller au-delà de la beauté ou de la décoration. Son design doit être intéressant, significatif, innovant. Ou illustrer l’air du temps. De cette manière, il a plus de chances d’être remarqué par les galeristes, les critiques et les journalistes, ou par les collectionneurs et les conservateurs de musée qui l’intègrent à leur collection. Ce qui, en fin de compte, confère à la table basse le label convoité de « pièce de collection ».
Paroles d’experts
Ainsi, comme pour la plupart des secteurs créatifs, le design (des objets) de collection dispose d’une sorte d’autorité centrale qui s’accorde sur ce qui est à la mode et ce qui ne l’est pas. Il ne faut toutefois pas oublier les réseaux sociaux, estime Chen. Pour lui, « ceux-ci jouent un rôle que l’on ne peut ignorer. On peut déplorer le fait qu’ils diluent tout dans une image brillante sans profondeur ni contexte, ou qu’ils créent des hypes que nous aurons oubliées dans un an, mais ils rendent aussi le design de collection beaucoup plus visible et accessible. Si vous êtes exclu en tant que designer ou négligé par le cercle restreint des experts, vous pouvez toujours espérer y trouver votre public et devenir une sensation ».
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Selon Chen, il ne faut pas non plus sous-estimer le rôle croissant de l’architecte d’intérieur dans la création d’une valeur de collection. Il y a vingt ans, tout le monde parlait d’art design pour décrire un objet design qui brouillait la frontière entre l’art contemporain et le mobilier. C’était quelque chose de nouveau, qui s’adressait initialement aux collectionneurs d’art. En effet, quel type de table ou de chaise associez-vous à ce magnifique tableau accroché à votre mur ? Certainement pas quelque chose de banal provenant d’un magasin de bricolage… Et ce sont justement les architectes d’intérieur qui conseillent les collectionneurs à ce sujet.
Sa consoeur de la TEFAF est du même avis que lui : « Ils achètent des pièces pour leurs clients. Ils placent les objets dans des contextes magnifiques et intéressants qui sont partagés dans les magazines et sur les médias sociaux. Les architectes d’intérieur sont très influents. »
La forme et la fonction
En d’autres termes, la voie semble toute tracée pour atteindre le stade de la conception d’objets de collection. Mais les apparences peuvent être trompeuses. ‘L’essentiel est peut-être la lenteur avec laquelle tout cela se déroule’, explique Linde Freya Tangelder, qui a été récompensée par le prix Knack Weekend Designer of the Year en 2019. Au sein de sa pratique, elle alterne entre le travail sur sa propre collection et des collections pour des galeries, dont une pour la galerie indienne æquō, qu’elle présentera au PAD Paris début avril, et pour les labels de design Cassina et Valerie Objects.
« Le design de collection est un domaine dans lequel de nombreux designers veulent être actifs. Il offre en effet une grande liberté et laisse plus de place à l’expérimentation et à l’artisanat. Il s’agit moins d’un design de produit pur. Mais cela ne rend pas les choses plus faciles pour autant » met-elle en garde. Il peut y avoir des parallèles avec le monde de l’art moderne, où il y a beaucoup d’argent à gagner, reconnaît-elle, mais il y a une grande différence : « Dès qu’il s’agit d’une œuvre fonctionnelle, disons une table basse, les gens commencent à comparer son prix à celui d’autres tables basses. Il y a alors une sorte de limite de prix par objet que les acheteurs potentiels ne risquent pas de dépasser. Il est très difficile de se battre pour couvrir une partie des coûts d’investissement, de production et de transport. »
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C’est aussi un défi pour un créateur que d’être repéré par une galerie. « Il existe une règle non écrite qui veut qu’en tant que designer, vous soyez découvert, ou du moins approché, par une galerie. Chaque galerie a un objectif, une histoire qu’elle veut faire connaître et dans laquelle vous devez vous intégrer en tant que créateur », explique M. Tangelder.
« Il existe des galeries qui servent uniquement de point de vente, par le biais de la consignation ou de l’achat de pièces, et des galeries qui co-construisent l’œuvre du créateur. Ces dernières investissent dans la production, la réalisation d’expositions et de publications, la participation à des foires internationales. Tout cela dans l’espoir d’obtenir un jour la place tant convoitée dans une collection privée ou muséale. Ce sont des investissements considérables », reconnaît Marie Wettergren. « Même s’il s’agit d’un marché en pleine expansion, on ne peut pas faire du bon travail si l’on mise sur trop de chevaux. Ma galerie se concentre sur les créatrices de textiles, d’une part, et sur les œuvres qui combinent des matériaux de haute technologie avec de l’artisanat de basse technologie, d’autre part. Nous recherchons très spécifiquement des créateurs qui peuvent avoir un sens dans ce domaine, non seulement aujourd’hui, mais aussi à l’avenir. Nous voulons apporter une histoire cohérente ».
Un critère auquel Aric Chen est également attentif lorsqu’il sélectionne les galeries qui souhaitent participer à une foire comme Collectible. « La force de leur offre et sa cohérence jouent un rôle, mais aussi la mesure dans laquelle la galerie soutient l’histoire de ses créateurs », explique-t-il. L’objectif ne doit pas être uniquement commercial ». L’univers raréfié du design de collection est exigeant, c’est le moins que l’on puisse dire.
En pleine croissance
À la question de savoir si le design contemporain des objets de collection est une mode, la réponse de tous les intervenants semble très convaincante : non. Marie Wettergren estime qu’il continue à évoluer pour devenir une forme d’art à part entière. « Tout comme la photographie a fini par obtenir la reconnaissance dont elle jouit aujourd’hui. Je vois encore un énorme potentiel de croissance » assure-t-elle.
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Même son de cloche du côté de Chen, qui estime toutefois qu’il faut aller au-delà de l’idée qu’il s’agit uniquement de meubles coûteux destinés à de riches collectionneurs et à leurs décorateurs d’intérieur : « Il est important de replacer ce domaine dans une perspective plus large. Je vois aussi de jeunes esprits brillants qui réfléchissent à la manière dont les choses sont fabriquées, qui innovent avec de nouveaux matériaux et de nouvelles formes, qui repensent la relation entre la consommation et la production. Il y a tant à apprendre de leurs expériences en tant que société ».
Collectible, du 7 au 10 mars au bâtiment Vanderborght à Bruxelles – collectible.design
TEFAF, The European Fine Art Foundation, du 9 au 14 mars au MECC à Maastricht – tefaf.com
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